05/04/2025

À propos de l'art contemporain

par Andreea Rus

     Tout au long de l'histoire de l'art, les époques artistiques se sont succédé naturellement. Le temps a suivi son cours naturel. Il existe indéniablement un lien entre le passé et le présent, tels que chacun a été perçu à son époque. L'art contemporain plonge également ses racines dans la modernité. Ce fait est incontestable.

    Le moment présent devient une source d'inspiration permanente pour les artistes. Nous sommes influencés aujourd'hui par l'innovation conceptuelle, par l'interpénétration de fragments de réalité dans les collages, les montages photographiques et l'art vidéo. Les vestiges (de toutes sortes) continuent d'être présents dans les œuvres, les assemblages et les grilles des artistes. Ces derniers semblent connaître un phénomène d'« expansion » dans les expositions d'art contemporain « géantes ». Les réseaux sociaux entrent également en scène. Des plateformes comme Facebook, Instagram, TikTok et bien d'autres diffusent des images à une vitesse vertigineuse. Le téléphone portable est devenu un outil de travail pour les artistes contemporains. Il apparaît souvent comme une extension du corps humain. Une source inépuisable d'images devient irrésistible devant la caméra. De plus, il existe des films contemporains tournés avec un smartphone. Certains participent même à de grands concours internationaux.

   Pourtant, les médiums et les techniques classiques d'expression artistique en arts visuels demeurent une alternative viable qui valide notre honorable qualité d'être humain. Elles attirent l'attention du public et des critiques d'art lors de nombreuses expositions. On les rencontre dans des galeries d'art contemporain, des musées ou dans des espaces non conventionnels. Elles cohabitent souvent harmonieusement avec l'art où le virtuel est la vedette. Il y a cependant une lutte. Je pense que c'est une lutte avec nous-mêmes contre la virtualisation de nos propres existences. Nous rencontrons une vie parallèle de diverses formes de manifestations artistiques. Dans certaines galeries privées, musées et espaces non conventionnels, elles coexistent. Je ne crois pas à la disparition de l'art créé directement par l'homme. Au contraire, je crois que cela deviendra une tentative de normalisation dans un monde où nos vies semblent nous filer entre les doigts. Cette fuite ressemble de plus en plus aux images qui se succèdent sans cesse dans un environnement virtuel difficile à contrôler et toujours imprévisible. Nombreux sont les artistes, de différentes générations, qui privilégient des matériaux de travail non conventionnels, encombrants, souvent bon marché et périssables. Un moment d'art fugace. Souvent mémorable, pourquoi pas…

    Et puis ? Instant après instant, l'un après l'autre, il génère un tout, souvent fragmenté. Peut-être un miroir de nombreuses existences humaines contemporaines. L'artiste d'aujourd'hui s'intéresse à des thèmes variés tels que l'identité nationale, l'identité raciale, l'identité de genre. Il s'intéresse à la situation politique, à la situation sociale, aux migrations. Il existe des expositions où les frontières deviennent un sujet de débat visuel. La question écologique préoccupe bon nombre d'artistes. Elle est étroitement liée au changement climatique. Certains artistes restent préoccupés par les questions des guerres mondiales du siècle dernier et par les drames des camps de concentration.

    Pour donner une tournure optimiste à la discussion, je vous ferai part de mes récentes préoccupations personnelles. Je présenterai des œuvres ayant participé l'année dernière et cette année à des expositions internationales et nationales, en présentiel et en ligne. Je m'intéresse actuellement à deux grands thèmes : « Paradis possible. Enfance » et

« Survivre et trouver un sens existentiel » dans des conditions de vie à la limite de l'endurance humaine. Ce dernier thème évoque les drames des prisons communistes et les survivants de cette période difficile.

 Andreea Rus, Childhood. The possible Paradise (36) , 80 x 80 cm, acrylic on canvas , 2024

Quelques mots sur l’intelligence artificielle.

Didier Valhère

    L’avènement de l’intelligence artificielle nous place dans une situation proche de celle qu’ont vécue les peintres du XIXe siècle avec la découverte de la photographie. La question se repose dans sa

dimension angoissante : à quoi vont servir les compétences humaines si la machine s’arroge le droit de le remplacer ?

    L’heure n’est plus à réfléchir si on peut accueillir en toute sérénité ce progrès, l’ignorer, ou le refuser. Nous sommes de toute évidence destinés à composer avec cette évolution majeure. Dans l’état actuel de nos connaissances et de nos usages immédiatement accessibles, nous pouvons avancer que l’intelligence artificielle n’est pas encore aussi intelligente que sa dénomination le laisse entendre. C’est-à-dire qu’elle ne prendra pas les initiatives destinées à accomplir un objectif complexe. Il s’agit d’abord d’un outil qui doit être envisagé dans ses aspects d’accompagnement. Derrière l’I.A., il y a de l’humain : un projet, une idée créatrice. Cette avancée révolutionnaire peut aider l’artiste dans sa créativité s’il la considère comme une forme de

« Brainstorming » virtuel. Dans le fil d’une idée, d’une description ou d’un croquis (peu fiable pour le moment), la machine propose un ensemble de possibilités sujettes à une exploitation raisonnée. Une matière première que le créateur modèlera à sa guise. La dimension créative peut ainsi s’enrichir d’un corpus plus large de connaissances et de suggestions, laissant imaginer de nouvelles combinaisons artistiques que seule la sensibilité de l’artiste en chair et en os pourra faire émerger dans leur quintessence.

    Ce que l’I.A. met en péril dans l’immédiat, c’est une grande partie de l’exécution. On peut certes lui demander de réaliser une peinture à « la façon de », mais si le plagiat menace l’originalité d’un acteur culturel vivant encore de son art, elle ne saurait mettre en péril les anciennes factures stylistiques. Une telle démarche ne relève pas de la création pure puisqu’elle est circonscrite au champ de la copie. Par contre, son apport est plus déstabilisant dans les domaines de l’illustration et de l’animation, en invitant à réduire de manière drastique un personnel conséquent jusque là indispensable.

    Aujourd’hui, il semble possible de résumer succinctement qu’à cause de l’I.A., la main d’œuvre est destinée à être évincée si elle n’apporte pas un plus créatif. Ce qui fait ainsi l’objet d’une inquiétude immédiate, ce n’est pas que l’homme soit ou ne soit pas remplacé par l’I.A. dans ses capacités d’innovation, c’est qu’elle lui ôte la possibilité de gagner sa vie par le biais de son service à la création. C’est la valeur marchande du savoir-faire qui est interrogée.

    L’Homme a besoin de créer, et personne ne lui ôtera cette ambition et ce moyen de s’accomplir, mais l’I.A. semble remettre en question les longs processus d’acquisition d’un savoir-faire ancestral. L’abandon suggéré de toute formation technique laisse toutefois songeur. Tout comme la plupart de nos jeunes apprenants d’aujourd’hui qui n‘ont pas été formés au calcul mental sont perdus sans calculatrice, incapables de déceler des erreurs grossières quand la technologie est déficiente ou mal utilisée, et devenus impuissants quand elle est absente, peut-on penser qu’un créateur qui n’aurait pas la sensibilité acquise par la maîtrise d’une pratique puisse produire une œuvre de qualité ? N’évacuons pas non plus la dimension créative qui s’enrichit de la mise en pratique, dans ses doutes ou ses erreurs parfois salutaires.

     Grâce à l’I.A., par contre, on peut imaginer que l’artiste lambda pourra un jour disposer d’une équipe virtuelle d’exécutants (machines et robots), capables d’imiter de plus en plus finement les traces de l’expression sensible. Il pourra concurrencer le plasticien professionnel d’aujourd’hui qui emploie une main d’œuvre pour des réalisations qui serviront son seul nom. Rappelons-nous comment travaillaient les grands artistes d’autrefois. Véritables entreprises de création où s’activaient et se formaient toute une équipe d’exécutants. C’est encore ce qui distingue certaines stars de la création contemporaine, comme par exemple Jeff Koons qui dirigeait dans les années 2010 une équipe d’environ 100 personnes, réduite de moitié à ce jour paraît-il.

    L’artiste indépendant, isolé, unique réalisateur de ses productions est une figure qui ne constitue pas la norme. L’I.A. nous oblige donc à repenser notre rapport à la création. Mais si on prend un peu de recul,

« l’art contemporain » nous y a déjà préparé : la technique est souvent considérée comme superflue, seule domine l’idée créatrice. Le goût du public en est affecté, ne sachant plus si maîtrise technique et œuvre d’art sont intimement liées, et comment percevoir les critères d’appréciation. La maîtrise d’un savoir-faire n’est plus le souci premier des instances pédagogiques dans une grande part de la formation artistique.

    Si, de nos jours, l’I.A. ne peut égaler la sensibilité humaine, est-ce que ce sera possible demain ? Nous pourrions l’envisager tant les progrès dans ce domaine semblent immenses, mais alors toute activité humaine deviendrait superflue. « Terminator » ne serait plus une fiction ...

L'art est-il encore possible ? 

 Olivier Moreau

    Voilà une question fort intéressante qui n’a pas de réponse évidente.

Prenons le cas d’un bon père de famille qui visite une galerie d'art contemporain et y découvre une énième copie du « Carré blanc sur fond blanc » de Malevitch. Il pourra répondre à cette question ainsi :

« Bien sûr cette forme d’art est possible, même mon gamin de 11 ans peut faire ça. » 

    Prenons le cas du gamin qui produit du grand art photographique sous la forme d'un super selfie retouché avec divers filtres. Il répondra : « Pas de problème, c’est de l’art car des centaines de ‘followers’ vont admirer mon portrait » 

    Prenons le cas d’un artiste qui demande au Chat de Mistral de lui composer une image selon quelques mots clés. Il répondra : « C’est moi le créateur de cette œuvre, l’AI n’est qu’un outil équivalent aux assistants d’un grand peintre de la Renaissance. Sans mon apport rien n’est possible ».

    L'art n'est donc plus ce qu'il était, c'est évident. Il est loin le temps de l'Académie des Beaux Arts, fréquentée par les grands maîtres. Loin aussi l’époque glorieuse du Surréalisme, qui est devenu une technique publicitaire pour vendre du shampoing. Il n’y a plus de référentiel centralisé ni de mouvement fédérateur. L’artiste contemporain est libre de faire ce que bon lui semble en autant qu’il soit original et authentique. Il doit transgresser les frontières, modifier les règles du jeu, tout en étant reconnu par les critiques et les collectionneurs. 

    De nos jours, ces collectionneurs sont souvent des investisseurs professionnels qui achètent des œuvres d'artistes célèbres sans même les regarder. Ils les stockent ensuite dans des « Ports Francs » avant de les revendre avec profit ou s’en servir pour faire du blanchiment.

    L’artiste qui conserve des critères classiques, qui veut produire des œuvres qui sont belles, agréables et motivantes, qui utilise des techniques ancestrales comme la peinture à l’huile, aura bien du mal à vivre de son art. Il sera préférable pour lui d'être designer, publiciste, créateur de jeux vidéo, prompteur d'une intelligence artificielle et autres métiers modernes plus rémunérateurs.

    L’Art pour l’Art est donc fini. Cependant, le marché de la Culture à la française se porte très bien. Deux exemples : La Fondation Hélène et Édouard Leclerc à Landerneau propose « aux habitants de la Bretagne et aux visiteurs du monde entier, des expositions, des rencontres, des événements culturels d’envergure internationale ». Le Louvre Abu Dhabi aux Émirats Arabes Unis « présente des œuvres d’intérêt historique, culturel et sociologique, anciennes et contemporaines, provenant du monde entier ». Selon Frédéric Jousset, le propriétaire de Beaux Arts Magazine , « Le succès de l'ingénierie culturelle est une énorme bonne nouvelle pour la France ». Ce mélange de l’art et de l’industrie semble bien être devenu la nouvelle norme.

    La situation est donc paradoxale. D'un côté, un jeune artiste risque fort de ne pas avoir son talent reconnu et doit gagner sa vie avec des petits boulots. De l'autre côté, la culture française brasse des millions via des agences comme ABCD (Art, Budget, Communication et Développement) . 

    Ajoutons un autre paradoxe : L'art et la créativité sont le propre de l'homme, mais voici surgir de nouveaux créateurs, les IA, qui ne sont que des machines. Selon Yuval Noah Harari, « La créativité est souvent définie comme la capacité à reconnaître des modèles, puis à s’en affranchir. Si tel est le cas, alors dans de nombreux domaines, il est probable que les ordinateurs deviennent plus créatifs que nous, car ils excellent dans la reconnaissance de motifs récurrents ».

    Pour conclure, l'art n'est évidemment plus possible de nos jours comme par le passé. Cependant, il est toujours possible d'être un

« artiste professionnel » à condition de maîtriser les lois du marché. Faut-il le déplorer ou s'en réjouir ? C'est une toute autre question.

L'art est-il encore possible ? 

Ksenia Milicevic

    Depuis l'avènement de l'intelligence artificielle générative le monde de l'art est bouleversé. Les artistes, depuis un certain temps déjà, travaillent à l'aide de l'informatique, mais actuellement on se trouve face à une machine qui produit des œuvres. Une machine qui pour nous convaincre qu'elle génère de l'art prend la forme humaine. La poupée Ai-Da.

    Le monde de l'art se divise, les uns affirmant qu'il s'agit toujours de l'art en se fondant sur des considérations arbitraires, les autres perplexes, en manque d'arguments car l'art contemporain dominant aujourd'hui fonctionne lui aussi sans fondements. On ne sait plus ce que c'est l'art et pour affirmer que le robot génère de l'art on s'appuie justement sur la méconnaissance de sa définition, prétendant qu'elle change dans le temps. 

    On s'appuie alors dans le cas de Ai-Da sur le postulat de la philosophe Margaret Boden (2016 Oxford University Press) :" les œuvres doivent être nouvelles, surprenantes et de valeur culturelle". On peut mettre en doute cette définition.

    La nouveauté n'est pas une recherche arbitraire de la nouveauté, elle est le résultat d'un lent changement socio-culturel. De plus, elle n'entre pas en ligne dans la définition de l'art car elle ne représente que l'expression formelle qui ne peut être qu'un signe historique et n'entre pas en compte dans la définition de l'art.

    Œuvre qui surprend, on peut lire qui provoque, qui dérange. Ceci n'est qu'un élément accessoire. L'œuvre d'art n'a pas pourquoi surprendre, elle peut le faire mais ce n'est nullement une condition.

    De valeur culturelle, c'est justement là que se situe le problème car la culture est en défaut. Les défenseurs de "l'artiste" Ai-Da s'appuient sur la technologie sur laquelle elle repose et considèrent que la technologie est de la culture. La technologie est un moyen de production, ce n'est pas la culture. On annonce triomphalement qu'aujourd'hui l'art s'assimile à l'industrie, comme un déroulement et phénomène historiciste prévisible.

    Mais indépendamment d'avènement de l'IA le problème concernant l'art est bien ailleurs.  Pour que l'art existe, un fond culturel cohérent, une vision du monde cohérente sont indispensables. Une façon d'être et d'envisager le monde qui renvoie à l'artiste une image à partir de laquelle il va créer et structurer son espace. Et cette image à son tour va agir sur la cohésion culturelle. En citant l'historien d'art Jean Clair : "L'art ne jaillit pas de l'art lui-même, l'art ne naît pas de l'art. Il naît d'un terreau qui n'est nulle part le même, et qui est en tout lieu irréductible à aucun autre".

    Dans notre monde uniformisé, ultra individualisé, très accéléré ou les sens se dérobent sous la course à l'argent, où cet argent ne cherche que sa régénération, l'art n'a pas de place. L'art exige un substrat culturel, il agit à partir d'un sens et génère du sens. Un mélange de différentes cultures assaisonné d'une culture dominante anéanti l'art.

    L'art repose sur l'esthétique et l'éthique. L'esthétique a été évacuée de l'art depuis plus d'un siècle. L'éthique, dans le sens de vivre ensemble, a été submergée sous les revendications politiques dans l'art contemporain. Avec l'avènement du virtuel qui d'un côté uniformise encore plus les sociétés et parallèlement avec l'exaltation des diversités et la volonté de chacun, une culture cohérente peut difficilement se profiler.

    Bien sûr, les individus pourront continuer à s'exercer à l'activité artistique pour leur propre plaisir ou pour la formation personnelle à travers l'histoire de l'art (l'art est formateur). On peut continuer à faire de l'art contemporain, ou on peut utiliser des anciens styles, impressionnisme, expressionnisme, pop art, art abstrait... Mais ce n'est que reprendre de vieilles formules. Quelques artistes arriveront peut-être à recréer des œuvres avec des éclats décomposés, mais une expression authentique et originale  est impossible sans un fond culturel cohérent.